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terça-feira, 15 de maio de 2007

Como vai por aqui alguma confusão...

Angry Young Men – Jovens zangados

A expressão aplica-se a um grupo de autores ingleses dos anos 50 cujos heróis têm em comum uma atitude de rebeldia e de crítica em relação à sociedade em que vivem. Esta expressão, retirada originalmente do título da autobiografia de Leslie Allen Paul, Angry Young Man (1951), tornou-se popular com a estreia da peça de John Osborne, Look Back in Anger (1956). O termo anger (zanga) é capaz de não ser o mais apropriado: discrepante ou descontente talvez sejam melhores e mais correctos. O grupo não só expressava o seu descontentamento para com as instituições graves e hipócritas da sociedade inglesa – o chamado Establishment – como também deixava transparecer alguma desilusão consigo próprio e a sua obra. Entre os jovens zangados encontramos os dramaturgos John Osborne e Arnold Wesker e os romancistas Kingsley Amis, John Braine, John Wain e Alam Sillitoe. Durante a década de 60, estes autores passaram a tratar de temas mais individualizados e deixaram de ser vistos enquanto grupo.

The Columbia Encyclopedia, 6th Edition, 2006.

quarta-feira, 25 de abril de 2007

Do Realismo ao Naturalismo...

As características gerais do Realismo são: a análise e síntese da realidade com objectividade, em oposição à subjectividade romântica; exactidão, veracidade e abundância de pormenores, com o retrato fidelíssimo da natureza; total indiferença perante o "Eu" subjectivo e pensante perante a natureza (o "Eu" romântico); neutralidade de coração perante o bem e o mal, o feio e o bonito, vício e virtude; análise corajosa de vícios e podridão da sociedade; relacionamento lógico entre as causas desse comportamento (biológicas ou sociais, e a natureza interior e exterior da personagem); admissão de temas cosmopolitas na literatura; uso de expressões simples e sem convencionalismos (por oposição ao tom declamatório romântico).
O Naturalismo difere do Realismo, mas não é independente dele. Ambos crêem que a arte é a representação mimética e objectiva da realidade exterior. Foi a partir desta tendência geral para o Realismo mimético que o Naturalismo surgiu, sendo por isso muitas vezes encarado como uma intensificação do Realismo. As características principais são: tentativa de aplicar à literatura as descobertas e métodos da ciência do séc. XIX (filosofia, sociologia, fisiologia, psicopatologia, etc), tentando explicar as emoções através da sua manifestação física (apresenta, assim, mais razões científicas do que o simples descrever dos factos do Realismo); resultou muitas vezes na escolha de assuntos mais chocantes (alcoolismo, jogo, adultério, opressão social, doenças, as suas causas e consequências), vocabulário mais terra-a-terra, motes mais cativantes ou detalhes mais fotográficos.
O Naturalismo acabou por se tornar uma doutrina (instituiu que o indivíduo era primária e fundamentalmente modelado pela hereditariedade, meio e educação - pela "natureza"), com uma certa visão muito específica (Eça de Queirós chamou-lhe a "forma científica que a arte assume") do Homem e do seu comportamento, tornando-se mais concreto mas também mais limitado que o Realismo, embora que, como os olhos do observador/escritor não são lentes inanimadas, a reprodução da realidade em cada uma das obras Naturalistas, pode reconhecer-se como sendo individual, e os Naturalistas acabam por afastar-se da própria teoria.

http://www.citi.pt/cultura/literatura/poesia/j_g_ferreira/realismo.html, 25/04/2007

terça-feira, 10 de abril de 2007

O Teatro Político - 1

Introdução

Este livro estuda um fenómeno curioso. Analisa o trabalho de nove talentosos e inovadores dramaturgos britânicos que partilhavam uma convicção louvável mas estranha: que escrevendo peças e conseguindo que fossem representadas, podiam ajudar a mudar a forma como a sociedade está estruturada.
A convicção não é nova. Há mais de dois mil anos atrás, a teoria da catarse de Aristóteles, que afirmava que assistir a uma tragédia poderia expurgar-nos das nossas emoções malsãs, atribuía um benefício social directo ao drama. A Igreja Católica, se bem que tivesse profundas desconfianças em relação ao teatro, esteve disposta a utilizá-lo como forma de propagar a fé, legando-nos o termo “propaganda”. O utilitarismo do séc. XVIII justificou frequentemente o drama em função da sua utilidade social e o dramaturgo alemão Friedrich Schiller deu ao seu ensaio seminal o elucidativo título “O Teatro considerado como instituição moral”.
No século XX, o teatro, com a intenção de se virar para uma nova forma de pensar, ou, pelo menos, desafiar as velhas formas de pensamento, tornou-se mais abertamente político, questionando não tanto a moralidade social enquanto organização fundamental da sociedade, mas colocando a ênfase na economia em vez de na ética. Por regra, moldada pela análise do capitalismo de Marx, uma série de dramaturgos e encenadores, com relevo para Edwin Piscator e Bertolt Brecht, tentou usar o palco para propor alternativas socialistas às injustiças do mundo que os rodeava. Ao fazê-lo ajudaram a definir o que agora designamos por “teatro político”, o título do livro de 1929, de Piscator, sobre o teatro.
Todo o teatro é político. Na realidade é a mais política de todas as formas de arte. Obviamente, é apresentado num fórum muito mais público do que qualquer outra arte. Um romance pode ser lida por muito mais pessoas do que as que assistem a uma determinada peça; os edifícios e as estátuas no espaço público podem ser vistas por muita gente a quem nunca passaria pela cabeça pôr um pé dentro de um teatro, todos os dias, a televisão chega a muitas vezes mais espectadores do que o maior teatro do mundo poderia receber ao longo de uma década. Mas o romance é lido em privado; os passantes, se reparam numa estátua, reagem individualmente; a televisão, mesmo se vista em conjunto por um grupo de pessoas, continua a ser parte de um ambiente doméstico. Como afirma David Edgar: “O problema inerente à televisão enquanto agente de ideias radicais é que a sua audiência de massas não é confrontada em massa. É confrontada na arena atomizada da sala de estar da família, o local onde a maior parte das pessoas é o menos crítica que é possível.”
As artes performativas gozam da característica única de fazer reunir gente num lugar público para responder em conjunto a uma experiência artística, quer seja ver dançar, ouvir uma sinfonia ou assistir a uma peça. E porque o teatro usa palavras, a sua comunicação pode ser bastante específica e desafiadora. No teatro, actores em carne e osso falam em voz alta à frente de, e às vezes directamente com um público. Assim, as ideias e os sentimentos são expressos ao mesmo tempo a uma comunidade de espectadores. Até mesmo o cinema, que talvez seja o que mais se aproxima do teatro ao vivo em termos de recepção, oferece uma experiência muito mais privada e interior (pensemos em quão disparatado seria fazer comentários para o écran, ou na diferença entre a troca de comentários animados no intervalo de uma peça, por medíocre que seja, e a atmosfera de morna indiferença durante a interrupção de um filme).
Tal como o público que está no teatro não consegue evitar assumir um certo papel comum, também o processo de criação artística no teatro é um processo de partilha. Um romance, um poema ou quadro estão completos no momento em que saem da mão do criador e os acidentes de publicação ou exibição têm um efeito mínimo na sua qualidade. Mas o texto do dramaturgo é apenas o primeiro passo num complexo processo que incluirá criativos, encenadores, actores, mestras de guarda-roupa e por aí fora, contribuindo todos com a sua criatividade (ou técnica) para o resultado final, muito adequadamente designada por “produção”.
Ainda mais, o teatro depende da transcendência. Por um lado, os actores têm de transcender a sua própria individualidade para poderem assumir o papel de um estranho. Por outro lado, o público tem de se libertar das suas preocupações individuais para se poder envolver com o que acontece no palco. E este processo, que ocorre tanto no representar empático do realismo como nos sublinhados sociais do teatro Brechtiano, é um acto inerentemente político, uma vez que a origem do pensamento político está na vontade de nos identificarmos com outros, partilhar os seus problemas, experimentar a transcendência.
[…]
Em termos de conteúdo, algumas peças são claramente mais políticas do que outras, mas deveria ser igualmente óbvio que é impossível fazer desfilar em cima de um palco personagens que interagem socialmente perante um público reunido para assistir a essas relações, sem que exista algum conteúdo político. Até mesmo a mais palerma das farsas ou o mais inócuo dos musicais reflectirá uma qualquer forma de ideologia, normalmente, a da sociedade. Neste sentido. Todo o teatro é verdadeiramente político.
[…]
Podemos discernir vários elementos no processo de escrita para o teatro político. Para começar, existe a crença política de cada dramaturgo. […] Também o meio de onde provêm é importante. […] Wesker desconfia profundamente do mundo académico. […] Aquilo que pensam que a sua escrita para teatro pode conseguir. Nenhum é tão ingénuo a ponto de pensar que ver uma peça levaria os elementos do público a correr para as barricadas. […] Talvez nem sequer afecte o seu voto nas próximas eleições. Como escreveu David Hare, em 1991: “O primeiro erro é pensar que os escritores ingleses… querem ter mais influência nos assuntos da nação do que já têm. Na minha opinião, não querem mais do que qualquer outro cidadão provocar a queda do governo ou forçar a aprovação de leis.” […]
John Arden, em 1966, foi igualmente modesto nas suas afirmações quanto à eficácia do seu teatro:
“O protesto é um tipo fútil de actividade no teatro. É altamente improvável que se o presidente Johnson e o senhor McNamara viessem ver esta peça [Sargeant Musgrave’s Dance] dissessem: “Oh, valha-me Deus, temos de sair do Vietname”. … a única coisa que podemos fazer é continuar a dizer o que não gostamos na sociedade em que vivemos.”
Dito isto, fica claro que até mesmo o menos radical deste grupo de escritores tem esperança que um público, após ter visto uma das suas peças, sairá do teatro de alguma forma mudado, com a sua consciência política mais desperta. Como escreveu Simon Tussler, em 1975: “A maior parte das pessoas envolvidas no teatro alternativo espera provavelmente que o seu trabalho, por pouco ou indirectamente que o faça, contribua para uma consciência da necessidade de mudanças sociais, sejam elas graduais e parcelares ou radicais e profundas.” Dois séculos antes, Lessing tinha defendido, na sua Dramaturgia de Hamburgo, referindo-se às comédias de Molière, que estas peças podiam não curar os doentes mas, pelo menos, tornariam os sãos mais saudáveis.

(Pp. 1-8)
Michael Patterson, Strategies of Political Theatre. Post-War British Playwrights, Cambridge, CUP, 2003.

Breve Cronologia, 1953-1989

1953
Joan Littlewood abre o Theatre Workshop em Stratford East.

1954
Ronald Duncan e Neville Blond fundam a English Stage Company.
A primeira peça de Brendan Behan, The Quare Fellow é encenada por Joan Littlewood em Stratford East.

1955
Anthony Eden substitui Winston Churchill no cargo de Primeiro-Ministro
A peça de Samuel Beckett, À Espera de Godot (1952) é levada à cena no Arts Theatre, em Londres.

1956
Crise do Suez. Tropas soviéticas entram na Hungria.
Primeira temporada da English Stage Company (agora com George Devine) no Royal Court Theatre inclui a estreia de O Tempo e a Ira de John Osborne.
O Berliner Ensemble vai a Londres e apresenta O Círculo de Giz Caucasiano e Mãe Coragem, de Brecht.
Morte de Brecht.
Peter Brook dirige Paul Scofield em Hamlet.

1957
Harold Wilson substitui Anthony Eden no cargo de Primeiro-Ministro.
O Animador, de John Osborne é levado à cena no Royal Court Theatre, encenado por Tony Richardson.
Fim de Festa, de Beckett.

1958
Fundação do Mercado Comum Europeu. Primeira marcha a favor do desarmamento nuclear em Aldermaston.
A peça de Harold Pinter, Feliz Aniversário, revela-se um fracasso ao fim de uma semana de espectáculos.
O Refém de Brendan Behan é levada à cena em Stratford East, antes de se mudar para o West End.
John Arden: Live Like Pigs, encenada no Royal Court.
Shelagh Delaney: A Taste of Honey.
Arnold Wesker: Canja de Galinha com Cevada, levada à cena no Royal Court.

1959
Abre o teatro Mermaid.
John Arden: A Dança do Sargento Musgrave, encenada por Lindsay Anderson.
Arnold Wesker: Raízes, encenada por John Dexter.
Arnold Wesker: A Cozinha.

1960
J. F. Kennedy é eleito presidente dos EUA.
Funda-se o Centre 42. Harold Pinter: O Porteiro.
John Arden: The Happy Haven, encenada por William Gaskill.
Arnold Wesker: Falo de Jerusalém, encenada por John Dexter no Royal Court.

1961
Invasão de Cuba pelos EUA (Baía dos Porcos). Construção do muro de Berlim.
Peter Hall assume a direcção artística do Stratford Memorial Theatre e funda a Royal Shakespeare Company.
John Osborne: Lutero.

1962
Crise dos mísseis em Cuba. Primeiros sucessos dos Beatles.
Temporada de teatro da crueldade de Peter Brook.
Edward Albee: Quem tem medo de Virginia Woolf?
Edward Bond: The Pope’s Wedding.
Arnold Wesker: Batatas Fritas com Tudo, dirigida por John Dexter no Royal Court

1963
Assassinato do presidente Kennedy.
Alec Douglas-Home substitui Mcmillan no cargo de Primeiro-Ministro.
O National abre no Old Vic.
John Arden: The Workhouse Donkey.
Joan Littlewood: Oh What a Lovely War!
(Pp. i-xviii)
Michael Patterson, Strategies of Political Theatre. Post-War British Playwrights, Cambridge, CUP, 2003

terça-feira, 3 de abril de 2007

O Teatro do Pós-Guerra e o Estado

1. Uma Civilização do Povo

O teatro do pós-guerra na Grã-Bretanha era uma criatura do Estado. O Conselho das Artes da Grã-Bretanha foi criado em 1945 e entregaram-lhe £235.000 para, no seu primeiro ano, subsidiar as “belas-artes” – artes visuais, música, ópera, ballet e teatro. Em 1984, quando o Conselho publicou o importante documento, A Glória do Jardim, o seu orçamento elevava-se já a £100.000.000, dos quais cerca de um quarto era gasto com o teatro. Nesta altura, oitenta e duas companhias tinham o estatuto de “subsidiadas pelo Conselho das Artes”, ou seja, dependiam de subsídios regulares do Estado para cobrir a diferença entre as suas despesas e as suas receitas correntes. Quase todos os teatros importantes deste país estavam, e ainda estão, nesta lista: o Teatro Nacional, a Royal Shakespeare Company, a English Stage Company no Royal Court, outros teatros para novos dramaturgos, como o Bush e o Traverse, todos os teatros de reportório da Gales, Escócia e das províncias inglesas e cerca de trinta companhias itinerantes. A maior parte destes teatros foi criada depois de 1945, assentes na premissa de que havia subsídios e muitas companhias fechariam se estes acabassem. O West End continua a funcionar como um enclave da iniciativa privada, mas mesmo aí existem muitas formas de dependência indirecta: os directores do West End, muitas vezes montam espectáculos que, primeiro, mostraram o seu potencial comercial num teatro subsidiado, e para os seus espectáculos independentes próprios, confiam em escritores, encenadores, actores e técnicos que adquiriram a sua experiência e saber em trabalho no sector público. O investimento público é intrínseco à estrutura financeira e física do teatro enquanto um todo.
[...]
Por outras palavras, o teatro subsidiado é uma componente menor do Estado providência do pós-guerra, e a sua origem radica na própria guerra. O Conselho das Artes não foi uma invenção de 1945, mas uma mudança de nome e confirmação em tempo de paz do Conselho para o Encorajamento da Música e das Artes (CEMA), que fora criado em 1940 por iniciativa conjunta dos Ministérios da Educação e da Informação. O CEMA foi um claro expediente dos tempos de guerra: o seu objectivo consistia em desenvolver actividades que substituíssem as iniciativas culturais privadas que se tinham sido interrompidas devido à guerra e contribuir o mais possível para a manutenção da moral do país. Este propósito foi acolhido com entusiasmo por muitos dos agentes culturais envolvidos: considerando que a sua arte tinha sido convocada para um grandioso objectivo comum, dedicaram-se a levar o melhor da cultura inglesa ao povo inglês enquanto todo e fizeram questão de ir a todos os locais e junto de todos os públicos que nunca tinham visto drama literário ou ouvido música clássica, mesmo em tempo de paz. Assim, de forma inesperada, a emergência nacional ofereceu um papel social ao teatro e uma fonte de apoio que os tempos normais não lhe tinham concedido; e o teatro, muito naturalmente, uma vez a guerra terminada, estava decidido a manter essas vantagens materiais. Os políticos e funcionários relevantes concordaram, por uma série de razões: a instituição já existia, porque havia reais pressões do presidente do CEMA, John Maynard Keynes, porque a soma de dinheiro envolvida era relativamente pequena se comparada aos vultuosos investimentos e transferências de dinheiro do sector privado para o público necessários noutras áreas, devido às perturbações da guerra, e porque as actividades em tempo de guerra do ENSA (Associação do Serviço Nacional do Espectáculo), do CEMA, da BBC e da indústria do cinema tinham estabelecido uma definição de actividade artística enquanto valioso trunfo nacional que se podia razoavelmente esperar que o Estado patrocinasse.
Assim, o conceito de pagar as artes resultou numa política consensual do governo e o consenso mantinha-se sem grandes alterações ainda em 1949, quando o Parlamento votou uma autorização que permitiu ao responsável do Tesouro libertar £1.000.000 para a construção de um Teatro Nacional. Os debates em torno desta decisão foram quase comicamente desprovidos de controvérsia e no centro da unanimidade estava a ideia de que o teatro seria, como disse o responsável pelo grupo de pressão, o Visconde de Esher, “a primeira aventura artística da nossa nova, jovem e educada democracia”. Ironicamente, este populismo ambíguo foi especialmente audível na Casa dos Lordes:

"Talvez a Grã-Bretanha possa mostrar que, com a maturidade das suas classes trabalhadoras, consegue emular e deve emular, os padrões, a qualidade e o exemplo que lhe foi dado pelos seus pais e guardiães, a sua aristocracia antiga. Com a construção de um Teatro Nacional na margem do Tamisa daremos, esperamos, uma contribuição no sentido de uma civilização do povo ideal."

[...]

Não era impensável conceber um modelo alternativo. Na realidade, ele existia. Em Agosto de 1945, um mês depois da criação do Conselho das Artes, o grupo itinerante de Joan Littlewood, Theatre Workshop, abriu uma escola em Kendall. O seu manifesto tinha uma linguagem não muito diferente da do responsável do Tesouro:

“Os grandes teatros de todos os tempos foram teatros populares que reflectiam os sonhos e as lutas do povo. O teatro de Ésquilo e Sófocles, de Shakespeare e Ben Jonson, da commedia dell’arte e de Molière buscavam a sua inspiração, a sua linguagem, a sua forma artística junto do povo.
Queremos um teatro com uma linguagem viva, um teatro que não tenha medo da sua própria voz e comente tão destemidamente a Sociedade como o fizeram Ben Jonson e Aristófanes."

(Pp. 306-9)

Representar sem Artifícios: o Drama a Sério

No início do séc. XX, o naturalismo era a forma que distinguia o desejo da polémica; quando, mais tarde, se tornou político, diz-se que, tipicamente, a sua política estava ligada ao sentimento e à experiência. Assim, durante a década de 70, houve um naturalismo “político” que encontrou o seu papel como guardião de uma esquerda inglesa especial, uma área onde o marxismo podia assumir-se como humanismo. Num claro oposto à abstracção, teoria, estruturalismo e arte impopular, a realidade do naturalismo não era sectária.
“Se evoluir, será para me afastar do naturalismo... mas continuarei a tentar recriar a realidade da minha experiência. Não serei não-naturalista só por ser, como não fui naturalista só por ser; interesso-me pelos dois apenas na medida em que me ajudem a comunicar o significado que a experiência teve para mim.” As palavras são de Arnold Wesker, dramaturgo de “lava-louças” do final dos anos 50, socialista, fundador de um centro cultural sindical. Para Wesker, a experiência tem de ser separada da forma artística. E a forma de arte define-se pela ajuda que dá à experiência: “A arte é a recriação da experiência, não a sua cópia.” Quando é apanhada a copiar, a arte é acusada em termos políticos.

(Pp. 282-3)
Simon SHEPHERD & Peter WOMACK, English Drama. A Cultural History, Oxford, OUP, 1996

Teatro Inglês a partir de 1955 - 2

Apêndice: Ano por Ano 1955-78

1955

O que acabou por revelar-se o acontecimento teatral mais importante do ano foi a produção de À Espera de Godot, de Samuel Beckett, no Arts Theatre, em Agosto, mais de dois anos e meio depois da sua estreia em Paris (Janeiro de 1953). Foi encenado por Peter Hall, que fora nomeado director artístico do teatro em Janeiro, após um ano como assistente de encenação.
No West End, o espectáculo duplo Separate Tables, de Terence Rattigan ainda se mantinha. Em Maio, no Lyric, Hammersmith, Peter Brook encenou A Cotovia, uma adaptação de L’Alouette de Anouilh, feita por Christopher Fry, que se manteve em cena ao mesmo tempo que O Tigre à Porta, de Giraudoux, também na adaptação de Fry. Em Setembro estreou O sr. Chaleira e a sra. Lua, de J. B. Priestley, encenado por Tony Richardson. Em Stratford-upon-Avon, Brook encenou Titus Andronicus, com Olivier e Vivien Leigh. Joan Littlewood deslocara a sua companhia, Theatre Workshop, para o Theatre Royal, Stratford East, no final de 1953, e os espectáculos que aí montou em 1955 foram Ricardo II, Volpone [Ben Jonson] e O Chapéu de Palha de Itália, de Labiche. Em Junho, no festival de Devon, em Barnstaple, encenou Mãe Coragem, de Brecht, desempenhando ela mesma o papel da protagonista.

1956

Em Abril, a English Stage Company estreou no Royal Court Theatre, com George Devine como director artístico e Tony Richardson como sócio. O primeiro espectáculo foi A Árvore das Amoras, que passou a fazer parte do reportório, ao lado de As Bruxas de Salém, de Arthur Miller, escrita em 1953. Em Maio, foi a vez de O Tempo e a Ira, de John Osborne ao mesmo tempo que um espectáculo duplo de Ronald Duncan, D. Juan e A Morte de Satanás. Seguiu-se a adaptação de Nigel Dennis do seu romance Bilhetes de Identidade, em Junho e A Boa Mulher de Seztuan, de Brecht, em Outubro.
[...]
No teatro Phoenix, Peter Brook encenou três peças com Paul Scofield no protagonista: Hamlet, uma adaptação do romance de Graham Greene, O Poder e a Glória, feita por Dennis Cannan e Pierre Bost e uma reposição da peça de T. S. Eliot, Reunião de Família, de 1939. [...] Os outros espectáculos de Joan Littlewood em Stratford East incluíram Eduardo II de Marlowe e uma adaptação do texto de Hasek, O Bom Soldado Schweik.

1957

O Animador de John Osborne foi levado à cena no Royal Court, em Abril, encenado por Tony Richardson, mas o esforço da companhia para encontrar novos dramaturgos revelou-se infrutífero. O texto The Making of Moo, de Nigel Dennis, foi montado na sua totalidade em Junho, encenado por Tony Richardson, mas a inovação mais importante do ano foi o espectáculo de domingo à noite sem cenário. Por £100 libras cada, experimentaram-se cinco peças, incluindo As Águas de Babilónia de John Arden e A Resounding Tinkle, de N.F. Simpson.

1958

Feliz Aniversário, de Harold Pinter, estreou no Lyric, em Hammersmith, encenada por Peter Wood, mas sobreviveu a apenas 16 espectáculos. Canja de Galinha com Cevada, de Arnold Wesker, foi levada à cena no Royal Court em Julho, mas esteve só uma semana e apenas enquanto parte de uma temporada de quatro semanas em que companhias de reportório da província trouxeram espectáculos a Londres. (John Dexter dirigira a peça no Belgrade Theatre, Coventry). As produções próprias da English Stage Company no Royal Court incluíram Epitáfio para George Dillon, de John Osborne e Anthony Creighton e O Divertimento da Minha Mãe Louca, de Ann Jellicoe, que ela co-encenou com George Devine, um pouco mais tarde. [...]
Também no West End houve uma súbita proliferação de novas peças inglesas: [...] A Estufa, de Graham Greene, Variações Sobre um Tema, de Terence Rattigan, A Festa, de John Arden e Exercício para Cinco Dedos, de Peter Shaffer. [...]

1959

John Dexter encenou Raízes, de Wesker, em Coventry, com Joan Plowright e o espectáculo esteve no Roayl Court durante quatro semanas, tendo depois passado para o West End. [...]
Em Outubro, Lindsay Anderson encenou A Dança do Sargento Musgrave, de John Arden e nos espectáculos de domingo à noite encontramos A Cozinha, na encenação de John Dexter. [...]
No West End houve relativamente poucas peças inglesas novas, mas O Amante, de Graham Greene foi encenado por John Gielgud e John Osborne encenou o seu próprio musical, O Mundo de Paul Slickey, que estreou em Maio, após uma digressão na província, mas que se aguentou apenas durante 47 espectáculos.
O Mermaid, o primeiro grande teatro do pós-guerra em Londres, abriu em Maio.

1960

Os administradores do Shakespeare Memorial Theatre, Stratford-upon-Avon, escolheram Peter Hall como director artístico e a companhia abriu a sua primeira temporada em Londres no Aldwych, em Dezembro, com A Duquesa de Malfi, dirigida por Donald McWhinnie.
Um espectáculo duplo de Pinter, O Quarto e O Serviço, foi apresentado no Hampstead Theatre Club, transferindo-se depois para o Royal Court. Aí, em Junho, foi montada a trilogia de Wesker (Canja de Galinha com Cevada, Raízes e Falo de Jerusalém), dirigida por John Dexter. Em Setembro, O Porto Feliz de John Arden e Margaretta d’Arcy foi encenado por William Gaskill.
Os espectáculos de domingo à noite incluíam um espectáculo duplo de Christopher Logue, Julgamentos de Logue e A Torre, de Gwyn Thomas.
No West End, em Maio, encenado por Donald McWhinnie, estreou O Encarregado de Pinter, espectáculo que se manteria durante cerca de um ano. Um Homem para a Eternidade de Robert Bolt, estreou em Julho, e fez 320 espectáculos. Em Agosto, outra peça de Bolt, O Tigre e o Cavalo, estreou no Queen’s Theatre. Peter Hall encenou a peça de John Mortimer, O Lado Errado do Parque, e Ross, de Terence Rattigan iniciou uma longa carreira no Haymarket, em Maio. Estrearam ainda Billy Mentiroso, de Keith Waterhouse e Willis Hall, encenada por Lindsay Anderson e À Espera nos Bastidores, de Noël Coward.
[...]

1961

A companhia dirigida por Peter Hall em Stratford e no Aldwych passou a ter o nome de Royal Shakespeare Company e a primeira peça nova que estrearam em Londres foi Os Demónios, de John Whiting, que Peter Hall encenou no Aldwych, em Fevereiro.
No Royal Court, fez-se o primeiro espectáculo completo de A Cozinha, em Junho, mais uma vez encenada por Dexter e a peça Lutero, de John Osborne, foi encenada por Tony Richardson, tendo estreado em Julho.
[...] Com excepção de Lutero e dos espectáculos que tinham vindo de Stratford, havia poucas peças inglesas novas em cena [no West End] nessa altura.

HAYMAN, Ronald, British Theatre since 1955. A Reassessment, Oxford, OUP, 1979.
(Pp. 148-152)

segunda-feira, 2 de abril de 2007

O Teatro Inglês a partir de 1955

“Inovação e Conservadorismo”
[...]
Sem grande importância em termos de estilo e não tendo desafiado os limites do género dramático, Wesker foi importante enquanto reformador do teatro. Os temas e as personagens ligados às classes trabalhadoras não estiveram totalmente ausentes do palco inglês antes de 1955, mas as peças de D. H. Lawrence [que tratavam estes temas e personagens] não tinham tido grande impacto no teatro dos anos vinte e até mesmo o próprio Lawrence não tinha cortado fatias de vida da classe trabalhadora tão grandes nem as tinha empilhado de forma tão pouco cerimoniosa em cima de um palco como fez Wesker que, na realidade, estava a dizer: “Vejam como foi preciso mexer em tão pouco para vos dar drama”. Nem em 1955 alguém pensaria possível que fosse possível alcançar um sucesso em larga escala com uma peça em um acto, com 29 personagens e com a totalidade da acção a desenrolar-se dentro de uma cozinha. Ninguém teria acreditado que uma trilogia de peças sobre os comunistas judeus e os agricultores de Norfolk [Trilogia de Wesker] tivesse a mínima possibilidade de ser levada à cena. E ninguém teria adivinhado que o West End saudaria uma peça de elenco exclusivamente masculino que parece ser sobre o serviço militar obrigatório [Batatas Fritas com Tudo] mas que evolui para um feroz ataque ao nosso sistema social. Termina com o hino nacional, a ser tocado para uma plateia sentada.
Assumidamente A Cozinha, que foi levada à cena em 1959, fora escrita em 1956, para televisão e foi do encenador John Dexter a ideia de estruturar a versão de palco com um interlúdio lento, calmo, sonhador, entre os dois episódios de actividade frenética. Wesker tinha arranjado um guião em que as acções produzem os efeitos mais importantes: os cozinheiros e cozinheiras a fazerem o seu trabalho, uma dança, um acidente, uma partida, uma disputa, um cozinheiro que perde a cabeça. [...] Wesker mostra como o ritmo de uma rotina de trabalho pode determinar não só o ritmo das relações que são possíveis nesse contexto como também o ritmo da vida das personagens. Não é só que tudo o que fazem tenha de se acomodar em torno do seu trabalho: são o que são por causa do seu trabalho e a maneira mais directa de se expressarem é através da forma como trabalham. A decisão de Dexter de eliminar a comida teve o resultado de concentrar a atenção na mímica dos cozinheiros e estes caracterizavam-se com maior clareza através da forma como amanhavam peixe inexistente ou tendiam massa imaginária. Ao mesmo tempo, o estilo de produção fez com que esta peça naturalista parecesse experimental.
A principal fonte de irregularidade nas peças de Wesker é a separação entre a acção e o argumento. O seu objectivo não consistia apenas em contar histórias mas destruir “os argumentos cegos e simplistas, as expressões banais que são as barricadas que o homem da rua ergue contra tudo o que seja novidade”. Queria “dar às pessoas uma visão de um aspecto da vida que nunca tivessem visto antes; mais ainda, transmitir-lhes algum do entusiasmo que sinto pela vida. Quero ensinar.” [1]

[1] “Let Battle Commence”, Encore, vol. V, Nº 5 (nov.-Dez. 1958), p. 19.
HAYMAN, Ronald, British Theatre since 1955. A Reassessement, Oxford, OUP, 1979.
(Pp. 44-6)

terça-feira, 20 de março de 2007

Para esclarecer algumas dúvidas...

Biografia - a história da vida de alguém; ciência relativa a essa espécie de descrição.

Bibliografia - discipina que tem por objecto agrupar textos impressos segundo critérios sistemáticos diversos (cronológico, autoral, temático etc.) visando facilitar o acesso aos mesmos; relação das obras consultadas ou citadas por um autor na criação de determinado texto; b. activa - a que se refere a obras de autoria de determinado literato ou dramaturgo.

E foi o que disse o Dicionário Houaiss da Língua Portuguesa, Lisboa, Temas & Debates, 2003

quinta-feira, 8 de março de 2007

Panorama da Pós-Modernidade...


"Os anos 50 e 60"
1. Introdução

Foi só dez anos após o fim da guerra que ocorreram as transformações mais significativas dos mores sociais e modas exteriores, que iriam conferir ao mundo do pós-guerra um conjunto de atitudes completamente diferentes das dos anos 30. Sob a sombra da bomba de hidrogénio, a Campanha pelo Desarmamento Nuclear foi lançada em 1958 e organizou-se a primeira marcha de protesto para Aldermaston. (1) O esmagamento de uma revolta húngara por tanques russos em 1956 tinha aumentado o receio quanto às intenções soviéticas, ao passo que a invasão anglo-francesa do Egipto no mesmo ano, provocou a chamada “crise do Suez”, um profundo cisma nacional entre os que, como Sir Anthony Eden, o Primeiro-Ministro, acreditavam na vantagem de colocar no poder ditadores como o presidente Nasser no Egipto, e aqueles que pensavam que uma acção inglesa deste tipo era um retorno aos velhos dias do imperialismo britânico. Temas políticos deste género fizeram nascer uma persistente sensação de que existiam ainda no espírito britânico muitos preconceitos amargos a resolver. Um deles, no campo moral, foi atiçado pela controvérsia que envolveu a publicação, em 1957, do Relatório Wolfenden sobre os Crimes Homossexuais que preparou o caminho para a legalização das práticas homossexuais entre adultos responsáveis, e o falhanço na perseguição movida aos editores do romance O Amante de Lady Chatterley, de Lawrence, ao abrigo da Lei da Obscenidade de 1960. Entretanto, a criação de novas universidades e a transformação do Reino Unido numa sociedade multirracial devido à crescente vaga de imigração proveniente dos países da colorida Commonwealth foram, talvez, também factores para o abalar de fundações que devolveu o poder ao Partido Trabalhista, dirigido por Harold Wilson, em 1964, após treze anos de ininterrupta governação Conservadora.
A literatura espelhou este abalo de fundações, com especial violência, no drama. Vários novos dramaturgos viram as suas peças de estreia representadas na segunda metade dos anos 50, e se bem que este autores, em que se incluem Beckett, Osborne, Whiting, Arden, Behan e Pinter, fossem bastante diferentes entre si, quer no conteúdo das suas peças quer nas técnicas que utilizavam, todos se combinaram para quebrar com o drama da comédia da classe mais alta e a fantasia romântica tão completamente quanto Eliot e Fry o tinham feito antes deles – mas de uma forma completamente diferente. O teatro dos anos 50 e 60 explorou ao máximo a reacção artística contra o palco à italiana, o fim da censura teatral, o culto, muito na moda, da comunicação bi-direccional entre actor e público participante, a exigência de que a arte se comprometesse claramente com causas políticas e sociais e o fim das inibições da inocência sexual. Seria fácil exagerar o amplo significado social do que se passa em cima de um palco, que facilmente se dispõe a ser uma estufa para a auto-expressão neurótica e, por isso, as pretensões teatrais de que representam mudanças da forma de pensar do público têm de ser tratadas com cautela. A década que produziu A Mulher do Campo, de Wycherley, também nos legou The Pilgrim's Progress, de Bunyan. As décadas que assistiram ao kitchen-sink drama (drama de lava-louças) seguido de sexo-e-violência-para-chocar-o-público viram também o público leitor apanhado sucessivamente pelos inocentes hobbits de Tolkien e os coelhinhos virtuosos de Richard Adams. Mesmo assim, a “Revolução do Teatro” implicou uma vaga de inovação cujos efeitos ainda têm espaço para crescer.


1 - Aldermaston é o local onde se situam as fábricas de armamento inglesas onde se fabricam as armas atómicas e nucleares, entre outras. É o único local do Reino Unido onde este armamento se fabrica. O nome da terra tornou-se, a partir do final dos anos 50, sinónimo de armas nucleares e Campanha pelo Fim das Armas Nucleares. Aí se desenrolaram muitos protestos, incluindo uma marcha anual que, a partir de 1958, aconteceu por volta do período da Páscoa. Apesar de já não serem tão regulares, os protestos à porta da fábrica mantêm-se ainda hoje.

quarta-feira, 14 de fevereiro de 2007

O teatro inglês a partir dos anos 50 - 3



Arnold Wesker
n. 1932

Se bem que as suas primeiras peças tenham estrado no teatro Belgrade, em Coventry, Arnold Wesker era em certo sentido um dramaturgo do Royal Court dos finais dos anos 50. A sua trilogia semi-autobiográfica Canja de Galinha com Cevada, Raizes e Jerusalém assume frontalmente a contradição entre os ideais socialistas, o empobrecimento cultural e as fraquezas humanas; as suas peças assumidamente autobiográficas A Cozinha e Batatas Fritas com Tudo (passada na Força Aérea durante o serviço militar) lidam com a inflexibilidade classista (como acontece em Copo de Água). Tal como Osborne, teve as suas lutas com as instituições teatrais (digno de nota foi o processo que pôs à Royal Shakespeare Company, em 1971), mas continuou a escrever para o teatro, a televisão e o cinema (incluindo duas peças notáveis para mulheres durante os anos 80, Caritas e o monólogo Annie Wobler). Fez uma incursão no teatro comunitário com O Monte de Beorthel (uma peça para ser representada em Basildon), e regressou aos temas judaicos com Shylock (O Mercador) e Libelo de Sangue.

Peças representadas em Portugal:
1969 – As Quatro Estações - Empresa Vasco Morgado
1971 – A Cozinha - TEL
1973 – Os Amigos - TEL
1989 – Quatro Estações - Pró Tea/ Prótea
1996 – Carta a uma Filha - TNDMII
1999 – Desbarato e O Que É Feito de Betty Lemon?
2000 – Uma Peça para Três Mulheres - O Casulo – Grupo de Teatro
2005 – Uma Carta de Amor em Papel Azul – Ensemble – Sociedade de Actores
2006 – Quando Deus quis um Filho - Ensemble – Sociedade de Actores

terça-feira, 13 de fevereiro de 2007

KITCHEN-SINK DRAMA [Drama de lava-louças]

Designação para um tipo de drama que surge em Inglaterra no final da década de 60. O termo surge associado à peça que John Osborne apresenta a 8 de Maio de 1956 no London’s Royal Court Theatre, Look Back in Anger [O Tempo e a Ira]. Esta peça, símbolo de uma geração que ficou conhecida como “angry young men” [jovens zangados], é um retrato genuíno da vida da classe média-baixa em Inglaterra. Uma classe social que vive uma época de descrença total no poder político, que vive uma revolta contra a ordem social estabelecida. A santidade do casamento, os tabus face ao sexo, os valores da vida familiar, bem como as convenções consolidadas da Igreja foram mais do que nunca postas em causa.
A maioria dos autores destas peças pertence a esta classe menos favorecida, e pretende vê-la representada no palco. As personagens centrais destas peças são o reflexo das pessoas com quem eles conviveram na infância, pessoas que lutavam diariamente contra as faltas materiais e emocionais, cujas vidas até esse momento não tinham sido dignas de serem representadas no teatro inglês dominado pelos valores morais das classes mais favorecidas. Jimmy Porter, o protagonista de Look Back in Anger, é uma personagem, como diz Osborne, “who speaks out of the real despair, frustrations, and sufferings of the age we are living in, now, at this moment.” ( AA.VV., Landmarks of Modern British Drama: The Plays of the Sixties, 1ªed., Methuen, Londres, 1985, p.21).
Com o kitchen-sink drama surge um novo vocabulário, mais realista, mais agressivo, novas formas de diálogo e novas formas teatrais. A divisão em três ou quatro actos que até aí parecia apropriada, é agora desprezada. Opta-se por uma estrutura mais flexível, com cenas mais curtas, que são interrompidas por música, poesia, ou qualquer outro artifício pouco naturalista.
O kitchen-sink drama revela a insatisfação pessoal desta vaga de dramaturgos intelectualmente comprometidos com as classes trabalhadoras. John Arden, David Mercer, John Mortimer, Harold Pinter, Arnold Wesker, Tom Stoppard, são alguns exemplos destes jovens dramaturgos. Todos partilham a indignação contra a apatia, a complacência e a quebra do idealismo. John Osborne diz mesmo: “O meu desejo é fazer as pessoas sentir, dar-lhes algumas lições de sentimentos. Assim, poderão pensar. Em alguns países, isto poderia tornar-se uma coisa perigosa, mas parece haver pouco perigo de que as pessoas pensem demasiado, ao menos em Inglaterra nestes dias.” (AA.VV., Depoimentos dos “Angry Men”, 1ªed., trad. Artur Portela Filho, Presença, Lisboa, 1963, pp.81-82).
Na mesma época surgem os kitchen-sink painters, termo que se aplica às obras dos pintores realistas sociais ingleses, como por exemplo, John Bratby. Bratby pintava interiores domésticos, e foi o membro mais destacado deste efémero grupo da kitchen-sink school (neo-realismo), que surge como reacção à abstracção contemporânea.
Bib.: AA.VV.: Depoimentos dos “Angry Men”(1963); AA.VV.: Landmarks of Modern British Drama: The Plays of the Sixties (1985); Arnold Wesker: Words as Definitions of Experience (1976); G.R.Taylor: Anger and After (1969); M. Esslin: Drama in the Sixties (1966); Maurice Valency: The End of the World: an Introduction to Contemporary Drama (1980); Peter Ansorge: Disrupting the Spectacle: Five Years of Experimental and Fringe Theatre in Britain (1975); Richard Gilman: The Making of Modern Drama (1987).
Rita Baleiro
CEIA, Carlos (dir) Dicionário de Termos Literários, consultado em 10/1/2007

segunda-feira, 12 de fevereiro de 2007

O teatro inglês a partir dos anos 50 - 2


2. O Teatro Royal Court

É costume designar 8 de Maio de 1956, dia da estreia de O Tempo e a Ira,[1] de John Osborne no Teatro Royal Court, em Londres, sob os auspícios de George Devine, como sendo a data do nascimento do teatro britânico contemporâneo. Continuando o seu trabalho a partir dos subsequentes sucessos de Wesker e Arden, o Court apresentou ao palco inglês escritores como Ann Jellicoe e N. F. Simpson.
Igualmente significativo foi talvez o trabalho de Joan Littlewood com a Theatre Workshop no Teatro Stratford, East London: a sua cavalariça produziu os polémicos e populares musicais Fingers Ain’t Wot They Used T’Be (1959) e Oh! What a Lovely War (1964) bem como peças de autores como Brendan Behan e Shelagh Delaney.

John Osborne
1929 - 1994

Na sua famosa crítica para o Observer, Kenneth Tynan declarou que “duvido que pudesse apaixonar-me por alguém que não quisesse ver O Tempo e a Ira.” De facto, o legado mais duradouro da primeira peça de Osborne a ser apresentada em palco é o seu retrato de um homem ferido, apaixonado e sem amor, numa furiosa revolta contra os domínios público e privado. Em peças como O Animador, a histórica Lutero, Um Patriota para Mim e nas contemporâneas Testemunho Inadmissível e Um Hotel em Amsterdão, Osborne escreveu muitos dos melhores papéis (e melhores falas) para os melhores actores do seu tempo. Cada vez mais hostil para com o teatro contemporâneo, e na verdade para com muito do mundo contemporâneo, afastou-se do drama e refugiou-se na autobiografia durante os anos 80, reaparecendo com uma nova peça – assente nas personagens de O Tempo e a Ira e intitulada Déjà Vu – em 1992.

Algumas peças
1956 O Tempo e a Ira
1957 O Animador
1961 Lutero
1964 Testemunho Inadmissível
1971 A Oeste do Suez
1972 Uma Sensação de Desprendimento
1992 Déjà Vu

NOTA: Por uma vez, podem ir consultar a Wikipédia e encontram mais informação aqui também.
[1] Na tradução de Gustavo Rubim para a Companhia Teatral do Chiado, o título escolhido foi Dá Raiva Olhar para Trás.
NOTA 2: A propósito de O Tempo e a Ira, Arnold Wesker, no jornal Independent, descreveu Osborne como tendo “aberto as portas dos teatros a todas as gerações de escritores subsequentes.”

sábado, 10 de fevereiro de 2007

O teatro inglês a partir dos anos 50

1. Olhando para trás...

As artes dialogam com os vários tempos de formas diferentes. O cinema, a televisão e a literatura podem articular os temas de uma época, mas só o teatro pode envolver-se numa conversa directa com o seu público. Desde 1956, o teatro britânico (e, mais especificamente, o novo teatro inglês) tem sido ponto de encontro do desenrolar de uma conversa acerca da natureza do mundo do pós-guerra.
Para a primeira vaga de dramaturgos, de John Osborne e Arnold Wesker às primeiras peças de Edward Bond, as questões básicas eram sociais e culturais. À medida que o rígido sistema de classes britânico se desmorou, os novos intelectuais (muitos dos quais provinham da classe trabalhadora) debateram as possibilidades, consequências e limites da nova democracia cultural.
Para as gerações que se lhe seguiram, forjadas no cadinho da revolta dos jovens no final dos anos 60, as questões básicas eram mais agressivamente políticas. Prendiam-se com os limites da social-democracia e do estado social (em termos políticos, era o debate entre a reforma liberal e a revolução socialista).
No início dos anos 80, o cenário tinha mais uma vez mudado. Como consequência do falhanço das ideias socialistas tradicionais em obter o apoio popular, os dramaturgos passaram a preocupar-se com questões de identidade e diferença. O nascimento do teatro negro, do teatro gay e (especialmente) do teatro feminino, o renascer de um teatro consiente das regiões (e das nações) e o desenvolvimento do teatro comunitário foram exemplos deste fenómeno.
Como em todos os movimentos artísticos, existem figuras maiores que se destacam da maioria e seguem as suas próprias obsessões. Os dramaturgos mais próximos do teatro do absurdo europeu – Harold Pinter e Tom Stoppard – viraram-se há relativamente pouco tempo para a política. As tradições mais antigas da comédia e do drama britânicos foram celebradas no trabalho de dramaturgos populares como Joe Orton, Alan Bennett, Michael Frayn e Peter Shaffer. E se bem que se contem entre os mais conhecidos, nem Alan Ayckbourn nem Caryl Churchill são típicos dos movimentos a que estão associados.
O teatro britânico entrou nos anos 90 num estado de confusão. Os pessimistas fizeram notar um conservadorismo crescente na programação teatral, um declínio na ambição das novas peças e uma deslocação para espectáculos performativos que excluem o texto literário. Os optimistas viram os primeiros indícios de que os dramaturgos e os agentes teatrais de uma importante mas insular tradição teatral estão a abrir-se para o mundo.

David Edgar, 1992

sexta-feira, 2 de fevereiro de 2007

O Regulamento da PAP na EPTC - 7

ANEXO 1

MONOGRAFIA

1. Definição

1.1. Uma monografia consiste no estudo e tratamento de um só tema, resultando num trabalho escrito em que se apresenta, desenvolve e analisa o tema escolhido.
1.2. A monografia a apresentar na PAP regulamentada neste documento, deve apoiar e justificar o trabalho apresentado na prova prática de cada um dos cursos da Escola.

2. OBJECTIVO DA MONOGRAFIA

2.1. Pretende-se com a monografia:
2.2.2. Avaliar da capacidade de assimilação e integração dos conhecimentos obtidos por parte do aluno
2.2.3. Avaliar da capacidade de utilização e aplicação desses mesmos conhecimentos

3. NORMAS PARA A APRESENTAÇÃO DA MONOGRAFIA

3.1. O trabalho deve ser apresentado de forma clara demonstrando a capacidade organizativa e expositiva do aluno
3.2. Aspectos formais
3.2.1. Os textos não devem ultrapassar as 50 páginas (excluindo Anexos e Ilustrações)
3.2.2. Os textos devem ser dactilografados a 1,5 ou 2 espaços em páginas de 28 a 30 linhas
3.2.3. Divisões do trabalho por ordem de ocorrência
3.2.3.1. Capa (com o nome da Escola, título do trabalho, nome de autor, data)
3.2.3.2. Parte pré-textual
3.2.3.2.1. A parte pré-textual inclui: dedicatória (eventual), agradecimentos (eventual), índice geral/tábua de matérias e lista de abreviaturas
3.2.3.3. Corpo principal do trabalho
3.2.3.4. Parte pós-textual
3.2.3.4.1. A parte pós-textual inclui: notas, apêndices (materiais trabalhados e elaborados pelo autor), anexos (documentos auxiliares alheios), bibliografia (separada do texto principal e colocada no final do trabalho)
3.2.4. Paginação
3.2.4.1. A primeira página do texto corresponde sempre à página 1
3.2.4.2. Se a parte pré-textual for extensa, pode-se recorrer à numeração romana do pré-texto e à numeração árabe para o texto e pós-texto
3.2.4.3. Fotografias, pinturas ou desenhos devem figurar em folha própria, sem numeração de página
3.2.5. Notas
3.2.5.1. A utilização de notas e referências bibliográficas obedece a normas rígidas de apresentação, suportando, no entanto, algumas variantes que aqui se limitam para uma maior uniformidade de critérios. Como regras gerais, reserve as notas para identificar todas as citações feitas no texto; para fazer considerações suplementares e/ou marginais que, de outra forma, fragmentariam o fio do discurso do texto; para remeter o leitor para outras partes do trabalho, para outras obras de referência, para chamar a atenção para a existência de um apêndice ou anexo (indicando a sua numeração)
3.2.5.2. O espaçamento das notas é sempre uma linha. A fonte deve ser também de menor dimensão do que aquela que ocorre no texto principal. O número indicativo da nota deve ser sobrescrito após todos os sinais de pontuação.
3.2.5.3. Uma nota bibliográfica em nota consiste apenas na indicação de autor, título e página, sem inversão do nome do autor
3.2.6. Citações
3.2.6.1. Citações curtas (até três linhas) devem ocorrer no corpo do texto principal e apresentadas entre aspas
3.2.6.2. Citações longas devem ser isoladas, deixando uma linha de intervalo antes e depois da citação, mas nunca utilizando aspas. O espaçamento deve ser de uma linha
3.2.6.3. Repetição de citações
3.2.6.3.1. Citação de uma mesma obra ou referência imediatamente anterior: ibid
3.2.6.3.2. Citação de um mesmo autor referenciado na nota imediatamente anterior: idem
3.2.6.3.3. Citação de um autor previamente referenciado: nome do autor, op. Cit.
3.2.6.3.4. Citação de referência exactamente igual à antecedente: idem, ibidem
3.2.6.4. Citações complementares, que não contribuam para a compreensão imediata do contexto, devem ser remetidas para a nota
3.2.7. Vária
3.2.7.1. Em geral não se devem usar abreviaturas, a não ser em casos convencionais, como, por exemplo: Sr., Dr., Dra., S.Vol, nº
3.2.7.2. Números até cem devem ser escritos por extenso quando o contexto não for estatístico
3.2.7.3. Maiúsculas
3.2.7.3.1. De forma geral, evitar o abuso de maiúsculas iniciais
3.2.7.3.2. No caso particular das palavras escritor, poeta, romancista, dramaturgo, autor e afins, sempre que substituam os nomes próprios, devem ocorrer com letra inicial maiúscula

3.2.8. Bibliografia
3.2.8.1. A bibliografia final, sempre apresentada por ordem alfabética dos apelidos, deve obedecer à seguinte disposição
3.2.8.1.1. Autor. (coloca-se um ponto final de todo os nomes embora a vírgula também seja aceitável)
3.2.8.1.2. Título (em itálico ou sublinhado, com iniciais maiúsculas, terminando com um ponto ou uma vírgula)
3.2.8.1.3. Nº de volumes,
3.2.8.1.4. nº de edição,
3.2.8.1.5. tradutor,
3.2.8.1.6. colecção (entre aspas)
3.2.8.1.7. editor,
3.2.8.1.8. local de publicação (se não existir, utilizar abreviaturas: s.I.),
3.2.8.1.9. data (se não existir, utilizar abreviatura: s.d.).

4. BIBLIOGRAFIA

CEIA, Carlos. Normas para Apresentação de Trabalhos Científicos, (ed.fot), F.C.S.H., Lisboa, 1994
FRADA. João José Cúcio. Guia Prático para Elaboração e Apresentação de Trabalhos Científicos. 3ª ed. revista e aumentada, Edições Cosmos, Lisboa, 1993.
N.P. 405 (Norma Portuguesa para Referências Bibliográficas), Instituto Português da Qualidade, Lisboa, 1988.

O Regulamento da PAP na EPTC - 6

7. AVALIAÇÃO FINAL DO CURSO:

7.1. Diploma

“48. A obtenção do diploma de qualificação profissional previsto no Decreto-Lei nº26/89, de 21 de Janeiro, concretiza-se após a conclusão do plano curricular e a realização da PAP.”

7.2. Classificação por disciplina

“49. A classificação final de cada disciplina obtém-se pela média ponderada das classificações obtidas em cada módulo, sendo a ponderação definida pela direcção pedagógica da escola.”

7.3. Classificação final

“50. A classificação final respeitante à conclusão do plano curricular obtém-se pela média aritmética simples das classificações finais de cada disciplina.”

“51. A classificação final a inscrever no diploma referido no 48 é obtida aplicando a fórmula

CF = 2PC + PAP : 3


sendo:

CF = classificação final
2PC = classificação final do plano curricular X 2
PAP = classificação final da prova de aptidão profissional.

8. DISPOSIÇÕES FINAIS

8.1. Este regulamento poderá ser alterado para se tornar mais funcional e eficaz. As alterações que possam vir a ocorrer serão objecto de aprovação pelo Conselho Pedagógico.
8.2. Os casos omissos serão sempre objecto de análise e aprovação prévia pelo Conselho Pedagógico.

O Regulamento da PAP na EPTC - 5

6.3. Júri de Avaliação:

6.3.1. Constituição

“40. A direcção da escola designa o júri de avaliação da PAP, perante o qual o aluno faz a defesa do seu projecto.”

NOTA 1: O júri de Prova será constituído por:

Director Pedagógico

Representante das Associações Profissionais – a designar

Professor orientador da Área profissional – a designar pelo aluno, ratificado pela Comissão Coordenadora da PAP.

Representante das Associações Empresariais – a designar

NOTA 2: Caso o aluno sinta que pode ser prejudicado por algum dos membros do júri indicados pela Comissão Coordenadora da PAP, assiste-lhe o direito de protestar, por escrito, à mesma Comissão, justificando a sua recusa do(s) nome(s) proposto(s). A Comissão Coordenadora da PAP deverá então avaliar da razão do aluno, dando ou recusando deferimento ao pedido apresentado.

6.3.2. Condições de funcionamento

“43. O júri de avaliação, para deliberar, necessita da presença de, pelo menos, três elementos, sendo um deles elemento das associações profissionais, tendo o director pedagógico, em caso de empate, voto de qualidade.”

6.4. Aprovação do aluno

“44. Consideram-se aprovados na PAP os alunos que obtenham uma classificação igual ou superior a dez (10) valores.”

NOTA 1: Na apreciação do projecto, o júri deverá ponderar ainda os seguintes elementos:

a) O percurso educativo e o seu grau de realização pessoal;
b) Condições em que decorreu a realização do projecto.

NOTA 2: A classificação da PAP resulta da média das provas de investigação (monografia) e prática, às quais se atribui uma ponderação de 40% e 60% respectivamente.

NOTA 3: Ao aluno que não obtenha aprovação será dada a hipótese de recomeçar o processo.

NOTA 4: A decisão do júri é soberana.

O Regulamento da PAP na EPTC - 4

6. AVALIAÇÃO DA PAP:

6.1. Do professor/orientador

“37. Os professores orientadores realizam uma avaliação contínua eminentemente formativa.”

NOTA 1: O aluno deverá ter reuniões regulares com cada um dos seus orientadores a quem compete conduzir e informar o formando dos progressos e/ou deficiências do seu trabalho.

6.2. Critérios de avaliação
“38. Os critérios de avaliação serão sempre explicitados e publicitados no início da execução do projecto.”

NOTA 1: São definidos os seguintes critérios de natureza geral:

6.2.1. O projecto deve

a) Ser estruturante do futuro profissional;
b) Revelar integração de saberes e competências numa perspectiva transdisciplinar;
c) Ser original;
d) Identificar com rigor a ideia-base (ponto de partida do Projecto);
e) Definir objectivos com precisão;
f) Avaliar correctamente os recursos (próprios e postos à disposição do aluno);
g) Relacionar todas as componentes de ideia-base entre si e com os recursos);
h) Estar logicamente estruturado;
i) Ser adequado à realidade;

6.2.2. No desenvolvimento do projecto o aluno deve:

a) Realizar as várias fases de preparação e realização do trabalho numa sequência adequada;
b) Demonstrar capacidade de superar dificuldades e situações imprevistas;
c) Recorrer a fontes diversificadas;
d) Globalizar conhecimentos e aptidões;
e) Praticar uma auto-avaliação permanente tendo em atenção o ajustamento contínuo às diferentes situações e fases do projecto;
f) Fazer a correcção das actividades a nível científico e técnico.

O Regulamento da PAP na EPTC - 3

5. ORGANIZAÇÃO TEMPORAL

5.1. Início

“34. A concretização do projecto ocorre preferencialmente após a realização de dois terços do plano curricular.”

NOTA 1: Caso a escola não tenha fornecido, durante os dois anos iniciais, a totalidade do plano curricular correspondente, os alunos poderão mesmo assim iniciar a sua PAP, uma vez completados os módulos que lhes foram proporcionados.

5.2. Organização Temporal da PAP:

NOTA 1: A calendarização será definida anualmente.

5.3. Organização temporal do ano lectivo:
5.3.1. O horário do ano lectivo durante o qual decorre a elaboração da PAP terá a mesma figura do dos dois anos anteriores.
5.3.1.2. As disciplinas da componente Sociocultural e Científica serão leccionadas durante todo o ano, nos tempos previstos. Sendo as 3600 horas do plano curricular horas de formação lectivas, a organização do horário do 3º ano deverá pautar-se pela flexibilidade, tendo sempre em conta o apoio que todos os professores deverão dar à PAP.

O Regulamento da PAP na EPTC - 2

4. ORGANIZAÇÃO FORMAL

4.1. Apresentação

O projecto é a proposta de um trabalho prático, devidamente apoiado por uma reflexão teórica e/ou descrição do processo e desenvolvimento do trabalho, a desenvolver durante o 3º ano pelo aluno e deverá conter, no acto da sua apresentação, os seguintes elementos:

4.1.1. Identificação e descrição sumária das duas partes da prova a realizar
4.1.2. Estratégias para a sua possível execução
4.1.3. Possível enquadramento em contexto de trabalho/aplicação prática

4.2. Aprovação e desenvolvimento
4.2.1. O projecto será apresentado à Direcção Coordenadora da PAP para avaliação e aprovação
4.2.2. Aprovado este projecto, o aluno deverá desenvolvê-lo segundo as orientações referidas neste Regulamento

4.3. Monografia e Prova Prática
4.3.1. O objectivo material do projecto é a execução de uma prova prática e a elaboração de uma monografia onde se encontrem explicitadas todas as etapas do processo e a reflexão teórica ou contextualizante que justifiquem e apoiem a prova prática.

quarta-feira, 31 de janeiro de 2007

O Regulamento da PAP na EPTC

1. DEFINIÇÃO DA PAP

1.1.Características:

Segundo a portaria Nº423/92, Capítulo IV:

“30. Faz parte integrante da avaliação a realização de uma Prova de Aptidão Profissional (PAP) que deve possuir uma natureza de projecto transdisciplinar e integrador de todos os saberes e capacidades desenvolvidos ao longo da formação.”

NOTA 1: A PAP deverá revelar os conhecimentos assimilados pelo aluno ao longo do Plano Curricular numa perspectiva de apoio e suporte teórico da prova prática.

2.1.1.

“31. A PAP reveste a forma de um projecto pessoal, o qual deve ser estruturante do futuro profissional do jovem e centrado em temas e problemas perspectivados pelo aluno e nele devem ser investidos saberes e competências adquiridos no quadro da formação.”

NOTA 1: Embora a PAP seja um projecto pessoal pode, na sua vertente prática, ser feita e apresentada em grupo, nunca superior a 4 elementos.

2.1.2.

“32. A PAP em casos excepcionais pode revestir formas alternativas, havendo lugar, nesses casos á apresentação prévia de uma proposta fundamentada dos alunos à Direcção da Escola

NOTA 1: A PAP a apresentar na EPTC, e dado carácter específico dos cursos aqui leccionados, deverá ser apresentada em duas partes: parte prática (apresentação de um projecto no âmbito de cada curso fornecido: Interpretação, Cenografia, Luminotecnia) e parte teórica (monografia).